Pepito "El Terrestre"
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Abrázame en el pórtico del llanto,
donde flotan de luto las banderas;
mis lágrimas murieron agotadas,
y quiero una vez más llorar por ella.
Pasó el viento de largo sin ser visto,
vino la lluvia y se perdió en la tierra,
se consumió la lámpara en la noche,
y se durmió la luz en las tinieblas.
Y ella en su lecho se agostó despacio
como el rosal sobre la tierra seca;
y absorbió oscuridades en los ojos,
y la palabra fue perdiendo fuerza.
Con invisible mano fría el tiempo
borró el color y la vistió de niebla;
mas ni el dolor ni la desesperanza
menguaron su enigmática belleza.
Oh soledad, que te juzgué dormida,
y penetraste en mí sin resistencia,
uniendo su partida y tu llegada
en la noche del alma triste y negra.
Cómo vino a ser parte de mi vida,
y cómo su dolor se hizo mi pena,
y al llegar el momento inevitable
de cruzar la fatídica frontera,
me arrebató la flor del sentimiento
dejando mi alma inánime y desierta.
Soledad que viniste con su muerte,
ayúdame a llorar por mí y por ella.
Que en paz descances princesa.
Silvio Rodriguez Dominguez (San Antonio de Los Banos, Cuba, 29 de noviembre de 1946). Musico, poeta y cantautor cubano. Exponente de la musica cubana surgida con la revolucion, Silvio es uno de los cantautores cubanos con mas relevancia internacional. Junto con Pablo Milanes, Noel Nicola y otros musicos crearon el movimiento de la nueva trova cubana. Silvio es un poeta, en todo el sentido de la palabra. Su poesia es lucida, inteligente, capaz de llevar a la movilizacion y a la conciencia social. En sus inicios fue considerado la imagen de la rebeldia para los jovenes, pero actualmente se muestra plenamente identificado con el gobierno de Castro.
La ninez Silvio Rodriguez Dominguez, hijo de Argelia y Dagoberto, nacio el 29 de noviembre de 1946 en el pueblo de San Antonio de Los Banos (Cuba). A los cinco anos de nacer, su familia se traslado a La Habana. A los siete recibio algunas clases de piano, gracias a Margarita Paz. El futuro cantautor contaba con diez anos de edad, sus padres se divorciaron y la madre se llevo a el y a su hermana de regreso a su pueblo natal para regresar a La Habana en 1958, un mes antes del triunfo de la Revolucion En 1961, Silvio participa en las campana de alfabetizacion y al ano siguiente empieza a trabajar como dibujante de comics en el semanario Mella, donde se pone en sus manos por primera vez una guitarra. En 1964 empezaria a cumplir el servicio militar, durante para matar el aburrimiento, por las noches comenzaria a tocar y componer canciones. De esa epoca son algunas conocidas en la actualidad como "El Viento Eres Tu Y Nada Mas, "La Cancion de la Trova". En 1967, Mario Roemu, padre de una amiga de Silvio, lo anima a presentarse en el programa de television y Estrellas, y le hace los arreglos de ‘"Sueno el Colgado y la Tierra". En esa epoca comienza a dar sus primeros recitales en solitario o como telonero. Al morir el Che Guevara, Silvio compone con sonidos rockeros como "Fusil contra Fusil", cancion que en 1968 se incluira en el disco colectivo Hasta la Victoria Siempre.
Silvio elogiara a Los Beatles. Al año siguiente (1969), es arrestado y tuvo que enrolarse como trabajador en el barco pesquero Playa Giron como castigo por sus canciones tan independientes, y navega durante casi 5 meses por el Oceano Atlantico y las costas africanas (haciendo escala en Gran Canaria, Lanzarote y Senegal). Durante el transcurso del viaje compone un total de 72 canciones (muchas de ellas conocidas, como pueden ser "Ojala "Playa Giron "Boga Boga", "Jerusalen", "Cuando Digo Futuro", "Al Final de Este Viaje en la Vida") que muchos anos mas tarde se editaran en el libro de poesia Canciones del mar. En esas canciones, especialmente las dos primeras, se percibe su resentimiento y rebelde A principio de los setenta, junto con Pablo Milanes y otros de los que luego formarar parte de la Nueva Trova, empieza a formar parte del Grupo de Experimentacion sonora del ICAIC (GESI) que se encargaron de grabar bandas sonoras de distintas peliculas y documentales cubanos. Recibe una completa educacion musical de la mano de maestros como el compositor y guitarrista Leo Brower. Mas tarde hace algunas grabaciones como "Fusil Contra Fusil", "El Papalote", "Cuba Va" (un curioso rock cantado junto a Pablo Milanes y Noel Nicola), "De la Ausencia y de Ti", "Velia", "El Mayor", "Granma" (una espectacular obra colectiva), "Oveja Negra", "Si Tengo un Hermano", etc. En 1972 hace gira por Alemania y Chile, donde actuan Isabel Parra (hija de Violeta) y Victor Jara (quien morira asesinado al ano siguiente tras el golpe militar de Pinochet). Ese ano se celebrara en La Habana el Encuentro de Musica Latinoamericana. Tras hacer "Testamento" (luego grabado en el disco Rabo de Nube), marcha hacia ese pais donde compone entre otras "Cancion para Mi Soldado", "Pioneros" y "La Gaviota". En 1981, durante un concierto en Zaragoza (Espana) la policia irrumpira el escenario y desaloja el recinto usando gases lacrimogenos. En los anos ochenta "las fronteras se besan y se ponen ardientes" Silvio Rodriguez cantando con Victor Heredia en la Plaza de Mayo, en Buenos Aires. En 1983 colaborar en el disco de Aute Entre amigos. En 1984 grabo el disco triple Triptico, acompanado de EGREM. En 1985, Silvio Rodriguez comenzara una gira con el grupo Afrocuba. En 1988, entre Londres y La Habana, graba Oh Melancolia.
Posteriormente, en 1990, Silvio hara gira con el musico grupo cubano Irakere y el gran pianista Chucho Valdivia. Tras la apertura democratica en Chile, Silvio viajara con su grupo a ese pais y dara un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante 80 000 personas. De este concierto saldra un disco triple (y CD doble), en el que aparecen temas no grabados en estudio como "Venga la Esperanza". En 1992 hacia su aparicion en el disco Silvio. En 1993 graba con Luis Eduardo Aute el disco en directo "Mano a Mano", y vuelven a hacer gira juntos a finales de los anos noventa; en Espana. En 1999 edito junto con el guitarrista Rey Guerra el disco Mariposas. En el siglo XXI, la barbarie En 2003 Edita el disco Cita con angeles, dedicado a su hija nacida hace poco, y donde tambien participa su mujer, la destacada flautista Niurka Gonzalez. El disco tiene temas que hablan sobre la situacion actual en el mundo, principalmente sobre el conflicto entre EE.UU. e Iraq. En el 2006 edita "Erase Que Se Era", un disco doble con temas compuestos entre los anos 1968 y 1970 que en su gran mayoria no habian sido publicados anteriormente.
Puya es un cuarteto de rock pesado, formado originálmente en el 1990 por Ramón Ortíz Picó (guitarra, cuatro, percusión y vocales) y Harold Hopkins Miranda (bajo, percusión y vocales). Picó y Miranda eran compañeros de clases. Más tarde, la banda creció, incorporando a Eduardo Paniagua Látimer (tambores) y a Sergio Curbelo Cosme en la percusión y vocales.
La banda tomó sus influencias de bandas estadounidenses tales como: Led Zepellin, Korn, Rage Against the Machine, Rush y Deftones, pero establecieron un lugar para ellos mismos combinando los ritmos afro-caribeños y latinos de la salsa puertorriqueña con el estilo “heavy metal”. De hecho, esta fusión de géneros no se desarrolló hasta que la banda se trasladó de Puerto Rico a Florida, EEUU, en el 1992.
Extrañando la salsa de su natal Puerto Rico, desarrolláron un estilo único en la música rock, influenciado por salseros clásicos tales como: El Gran Combo, <a href=’http://www.musicofpuertorico.com/es/tito_puente.html" title="">Tito Puente, Willie Colón y Hector LaVoe, y otras bandas latinas. La escencia de tales ritmos latinos fueron incorporados al sonido “heavy metal” de Puya. Según el vocalista principal, Curbelo: “Una vez nos apartamos de nuestra patria, empezamos a incorporar nuestras raíces latinas en nuestra música… fue algo conciente, pero se sentía natural.”
Estando en Florida, el percusionísta puertorriqueño Eggie Castrillo y Mike Smart (saxofón), se unieron a la banda. Puya entonces hizo su debut profesional con su álbum-cassette, “Whisker Biscuit”. Después lanzaron su primer CD, Puya, con 13 cortes y una colaboración con la Sección de Metales James Brown. en 2 canciones. Mientras que su estadía en Florida resultó en un avánce musical para Puya, los miembros de la banda decidieron volver a Puerto Rico, con la excepción de Curbelo.
La fama de Puya comenzó a extenderse rápidamente con su primer CD, y la banda viajó a Colombia, donde tuvieron un exitóso concierto, y se mudaron a Los Angeles donde firmaron un contrato de grabación con MCA Records. Puya lanzó su segundo álbum, Fundamental, en 1999 bajo el sello MCA. El álbum contenía una mezcla ecléctica de canciones, tales como la canción titular, Fundamental, la cual cambiaba líbremente del español al inglés. También demostró el éxito de la fusión entre el heavy metal y los ritmos latinos, añadiendo al interés del mercado norteamericano, y pavimentando el camino para giras con bandas conocidas en los Estados Unidos, tales como Spine Shank y Fear Factory.
El primer album de Puya atrajo muy buenas revisiones de la revista Rolling Stone y otras. Puya se preparaba para una repetición. El tercer álbum de la banda, Unión, fue lanzado en el 2001, con canciones escritas por Ortíz y Hopkins. El título del álbum refleja el mensaje social de Puya y la necesidad de armonía racial y unidad.
Desde ese álbum, Puya ha viajado a muchos países con otras bandas conocidas; americanas y latinas, y actualmente se prepáran para una gira mundial en el 2003.
"A llegado la hora de apausar el tiempo, de detener las estructuras para ser una entrada dimensional, hacia los mensajes del sacerdote del ROCK, aquel que se preocupa por el bienestar y la salud mental de todo el personal.. El padre Rockanrolero les manda unos mensajes desde su Iglesia cósmica para todos aquellos chavos acelerados y a todas las personas que creen que el Rock & roll es nada mas vicio, violencia, sexo, anarquia…. NO ES CIERTO… el Rock renace ultimamente como un sistema espiritual " (ROCKDRIGO GONZALEZ)
Ciertas palabras cautaivan el emblema de lo que puede ser el underground del rock nato en estos tiempos.
Orgullosamente de Tampico Tamaulipas.
Frederick Nietzsche, fue otro ser reflexivo rechazado que buscaba al “nuevo hombre”. Hablaba de las transformaciones que debía sufrir el hombre, el hombre quien siempre es la medida de todas las cosas.
“…Se debe ser camello y llevar la carga encima hasta llegar al desierto; león se debe ser para cruzar el desierto y pelear con el dragón llamado “tú harás”, cuando lo derrotes debes convertirte en niño y girar como una rueda partiendo siempre desde el centro, siempre como un niño sin inhibiciones viéndolo todo de nuevo…”
Mencionar a todos los artistas que le han dado importancia al rock y lo que este movimiento ha significado en la cultura de nuestro planeta sería demasiado extenso, por eso podríamos resumirlo citando a Nietzsche, quien ni siquiera vivió lo suficiente para conocer esta música, y quien dijo:
“El hombre se expresa ahora por la canción y el baile como miembro de una comunidad más elevada, olvidó cómo caminar y cómo hablar y está a punto de cobrar alas cuando danza… ya no es el artista, como que él mismo se ha convertido en obra de arte”.
Desde finales de los 50’s, Nueva York se había convertido en el centro cultural y musical de EEUU, debido en gran parte a la escena folk de Greenwich. Pero para 1965, al otro lado del país, en la costa oeste, San Francisco, una de las cunas de la cultura surf, de repente se convirtió en una de las más ebullicientes metrópolis de Norteamérica.
Escritores y poetas de la famosa Beat Generation se mudaron a sus barrios y en sus universidades se creó el famoso "free speechmovement", un grupo de estudiantes que apostaban y defendían el poder expresarse libremente. Ese verano, un grupo de músicos que se hacían llamar Charlatans, cuyos largas melenas y escasas ropas calaron fuerte en la comunidad de lo que comenzaba a conocerse como los hippies. Por su parte, The Warlocks (más tarde mundialmente conocidos como Grateful Dead) protagonizaban distintas fiestas donde la droga del momento, la LSD corría de mano en mano mientras que el grupo improvisaba una música psicodélica, ideal para aquellas parties alucinógenas. Un año después, 1966 se convirtió en el verano del amor y decenas de bandas y artistas proclamaron a los cuatro vientos los ideales de amor y anti-guerra que unos años antes había transmitido Bob Dylan y otros pacifistas. Su filosofía era la paz y el amor y otra cosa más, las drogas, pasando de la experiencia política a una escena mucho más espiritual, algo inédito en la corta historia del rock.
En el 67, se celebró el Golden Gate Festival donde la música que interpretaron todas las bandas que allí participaron constituía una evolución del folk-rock, canciones e instrumentales que se alargaban a lo largo de interminables jams con la guitarra eléctrica como protagonista en escena. Y mientras un tal Jimi Hendrix causaba sensación en los pubes de Londres, Paul Batterfield, excelente guitarrista de blues, grabó "East-West"; Fugs hicieron lo mismo con "Virgin Forest" o Sedes con "Up In Her Room", auténticas enciclopedias de la improvisación.
En ese momento apareció una de las mejores formaciones de rock de todos los tiempos, Jefferson Airplane, con los primeros himnos del movimiento: "Somebody To Love" o "White Rabbit" en álbumes histórcos como "Surrealistic Pillow" y "After Bathing At Baxter’s", ambos de 1967. Año y medio después grabaron "Volunteers", auténtico alegato contra la guerra de Vietnam. Contemporáneos a los Airplane fueron Grateful Dead, otro de los grandes grupos de siempre que destacaron por sus prodigiosas improvisaciones en el escenario comandados por el mítico Jerry Garcia, creyente que la música se crea en directo, prefiriendo el formato live a la grabación en estudio, algo que no les reportó demasiadas ventas. Entre sus discos están "Anthem Of The Sun" (1968) o "Live Dead" (1969), en donde Garcia desembocaba en una apocalíptica jam titulada "Dark Star". No fue casualidad que los Dead conquistaran el alma de los jóvenes norteamericanos de aquellos años, junto a Dylan y The Byrds
Por supuesto, las grandes compañías discográficas comenzaron a explotar el fenómeno, destruyendo el concepto original de una jam, encogiendo las canciones para llegar a una mayor cantidad de público. Pero 1967 dio para más: Kaleidoscope fusionó el jazz, el country y melodías indias en "Side Trips" y "Beacon From Mars"; Electric Flag editó "Trip", parecida mezcla de psicodelia, country y blues; Moby Grape con "Grape Jam"; Quicksilver, otra de las grandes de la escena ácida de San Francisco, impresionó con "Happy Trails", en 1969, un año después de que Steppenwolf pasaran a la historia con su "Born To Be Wild", canción que acompañó a Dennis Hopper y a Peter Fonda a lo largo de EEUU en "Easy Rider".
Y es que fue ese año, 1967, el año clave del rock ácido californiano por varios motivos: la aparición de gran cantidad de bandas, muchas de las cuáles sobrevivieron y llegaron a la década de los setenta; la publicación de "Sgt. Peppers" por parte de The Beatles, algo que respondía a la clara influencia al otro lado del Atlántico y la celebración de uno de los festivales más importantes e históricos del siglo XX, el Monterrey Festival, con Hendrix, Janis Joplin, los Airplane, The Who (desde UK)o The Mamas And The Papas como cabezas de cartel (de esa celebración vienen las históricas imágenes de Jimi Hendrix rociando su guitarra con gasolina y prendiéndola fuego).
Pero si abandonamos San Francisco y nos trasladamos a Los Angeles, veremos que la escena protagonista de este artículo fue casi tan importante como en la ciudad que la vio nacer. Influenciados por The Rolling Stones y The Byrds, Strawberry Alarm Clock debutó "Incense And Peppermint", un álbum más salvaje y crudo de lo normal; Seeds, igual de violentos, editaron los frescos y salvajes "Seeds" y "A Web Of Sound". Seeds, aunque menos conocidos, fueron tan importantes e influyentes como Iron Butterfly y su extraordinaria "Heavy". Luego estaban los Spirit, quienes grabaron algunos de los discos más psicodélicos (técnicamente hablando) de la época: "Spirit" (1968), "The Family That Plays Together" (1969), entre otros. No podríamos olvidarnos de Love, otra de las formaciones representativas que pasó de influencias folk-rock en "Love" (1966) a "Da Capo", su obra maestra editada, cómo no, en 1967.
Por su parte, entre el 67 y el 70, Hendrix publicó varios discos donde su guitarra era la absoluta protagonista, encargada de abrir las puertas a nuevas experimentaciones. Suyos son los discos: "Are You Experienced", "Electric Layland" y "Band Of Gypsys". El mejor guitarrista de rock de todos los tiempos.
Finalmente y como guinda al pastel, de la playa de Santa Mónica surgieron The Doors
En 1969, y para protestar contra la guerra de Vietnam, un granjero de Woodstock cedió sus terrenos para que toda una generación pudiera reunirse durante tres días y disfrutar de la música de los artistas y grupos más representativos de la época, desde el propio Hendrix y Janis Joplin hasta Joan Baez, The Who, Joni Mitchell o The Jefferson Airplane. Tambieron faltaron Dylan, The Doors o Grateful Dead.
Grupo de pop-rock holandés, cuya significación va mucho más allá de su gran éxito "Venus", cimentada en el liderazgo compositivo e instrumental de su guitarrista Robbie Van Leeuwen y en el atractivo de su gran cantante femenina Mariska Veres, una mujer de aguerrida e impetuosa vocalidad, similar a la de Grace Slick.
Van Leeuwen era ya un importante personaje en el mundillo musical holandés, siendo parte primordial del grupo beat The Motions.
Las divergencias con la otra pieza clave de los Motions, el cantante Rudy Bennett, llevó a Robbie a abandonar la formación en 1967 para formar Shocking Blue, una banda de La Haya que en su primera encarnación estaban integrados, además de por Van Leeuwen en la guitarra, por el cantante Fred De Wilde (ex guitarrista de Hu and The Hilltops), el bajista Klassje Van der Wal y el batería Cornelius "Cor" Van der Beek.
Estaban representados por Cees Van Leeuwen, que a pesar de la coincidencia de apellidos (bastante común en Holanda), no guardaba ningún tipo de parentesco con Robbie.
En 1967 grabaron para Polydor suprimer sencillo, una composición de Robbie titulada "Love is in the air", que pasó bastante desapercibida. Más suerte tendrían en Pink Elephant, sello en el cual publicaron en 1968 "Lucy Brown is back in town", una pieza de infeccioso pop con influencia de la British Invasion que alcanzó el puesto 21 en Holanda.
También en 1968 publicaron el Lp "Beat with us".
Ese mismo año, su representante acudió a una fiesta organizada por el grupo Golden Earrings, considerados como los Hollies holandeses, cuando consiguieron su primer número 1.
En la fiesta actuó un grupo denominado Bumble Bees. Su cantante, la sexy Mariska Veres asombró a Cees Van Leeuwen con su poderosa voz de alma blues y no tardó en incorporarla a los Shocking Blue, en detrimento de Fred De Wilde.
El primer single del grupo con la presencia de Mariska, con ascendencia germana y húngara, sería "Send me a postcard", una vibrante canción con fuzz guitar que definía su nuevo sonido.
Sin perder el sentido melódico, Robbie endurecía sus composiciones y enriquecía sus pautas pop con el arrojo de los grupos mod británicos, empapando algunas piezas de aromas lisérgicos.
"Send me a postcard" cosechó excelentes ventas, logrando subir hasta el puesto 11 en Holanda.
"Long Lonesome Road" tampoco pasó inadvertido, consiguiendo establecer a los Shocking Blue como la nueva sensación del rock holandés y a Mariska como una de las divas del momento en el concierto europeo, especialmente tras el megaéxito "Venus", un clásico que curiosamente llegó al número 1 en casi todo el mundo en el año 1969 menos en Holanda, que logró posicionarse en el puesto 3.
En Estados Unidos fue publicado por Jerry Ross en el sello Colossus en diciembre de 1969, alcanzando en febrero de 1970 el puesto más elevado de las listas.
"Venus" ostenta un récord importante, fue número 1 en los Estados Unidos en tres ocasiones por tres grupos diferentes: Shocking Blue en 1970, Stars on 45 en 1981 y el trío femenino Bananarama en 1986.
La habilidad instrumental de Van Leeuwen, que tanto dominaba los sonidos acústicos como eléctricos, además del sitar, la eficaz sección rítmica de Van Der Wal y Van Der Beek y la poderosa factura vocal de Mariska Veres ofertarían posteriores singles de igual o superior calidad que "Venus", pero lamentablemente no volverían a encontrar resonancia en las listas estadounidenses, aunque sí proseguirían con éxito en el continente europeo gracias a singles como "Mighy Joe" o "Never Marry a Railroad Man" (ambos número 1 en Holanda) o al Lp "At Home" (1969), disco producido por Robbie, en el que incluían "Venus", "Long Lonesome Road" o "Love Buzz", un tema posteriormente versionado por el grupo de Kurt Cobain Nirvana en su disco "Bleach".
Un año después se incorporó a la banda un guitarra rítmico llamado Leo Van de Ketterij, convirtiendo a Shocking Blue en quinteto. Poco antes de la grabación de su tercer Lp, "Scorpio’s Dance", un album que incluía el single homónimo o la balada "Daemon Lover".
Singles de gran valía, editados al margen de sus Lps. fueron "Hello Darkness", "Blossom Lady" y "Out of sigh, ouf of mind".
En "Third Album" (1971), cuarto de Shocking Blue y tercero con Mariska, incluían "Shocking you", en "Inkpot" (1972) el estupendo single homónimo con sonidos de sitar, un instrumento muy apreciado por Robbie y en "Attila" (1972) el pegadizo tema "Rock in the sea".
En la grabación de "Inkpot" ya no se encontraba Kassje Van Der Wal, que abandonó el grupo, siendo reemplazado por Henk Smitskamp, antiguo miembro de los Motions y de Willy & Giants.
"Eve and the apple" y "Oh Lord" serían las últimas entradas importantes en las listas holandesas.
Robbie Van Leeuwen, ante la ausencia de más triunfos en los Estados Unidos, fue perdiendo el interés en el grupo y decidió retirarse del directo, siendo sustituido por Martin Van Wijk.
Después del Lp "Dream on dreamer" (1973), Robbie abandonó definitivamente los Shocking Blue, que terminarían separándose después del album "Good Times" (1973), disco titulado como la canción de los Easybeats, que publicarían como sencillo.
Uno de sus último singles fue "Gonna sing me a song", una canción claramente deudora de los sonidos de ABBA, alejados ya de sus primeras tendencias.
Robbie Van Leeuwen retornaría en 1976 liderando la banda Galaxy Lin, un grupo con tendencias folk y jazz. Mariska, por su parte, daría inicio a una carrera en solitario sin demasiada trascendencia.
Blind Melon fue una banda de rock alternativo formada en 1989. En esa época el cantante era Shannon Hoon. Duró poco tiempo pero llamaron la atención rápidamente. En este año actual ya tendrían un nuevo cantante, Travis Warren.
Blind Melon se formó en 1990, y venían de Mississippi. Tenían su nombre de la banda y se dirigieron hacia Capitol Records donde se interesaron en su cuarto demo, llamado "The Goodfoot Workshop" Aunque la banda sólo tenía un repertorio limitado de canciones en el momento, ellos convencieron a Capitol Records que ellos tenían un atraso saludable de composiciones, y se firmó en 1991. La banda partió para trabajar en un EP brevemente después de esto, produjo por el longtime el Neil Young productor David Briggs y titulado la Sessions de Time de El Sippin. Pero cuando los resultados del fin salieron sorprendentemente, el proyecto fue archivado. En ese mismo año con algunas colaboraciones (Axl Rose, Pearl Jam, etc) Salió el vídeo "No rain" que fue un éxito y fue platino cuatro veces, aunque se rumoraba que el cantante Shannon Hoon, padecía de abusos de droga.
A menudo se suele citar a "Bohemian Rhapsody", gema del disco de Queen A Night in The Opera, como el primer video clip de la historia. Pese a que había antecedentes al respecto (Los Beatles en los 60, ¿qué otros?) detrás de este video se esconde una historia que merece ser contada.
El video surgió por una necesidad básica: como el grupo estaba de gira y tenían pautada una aparición en el programa televisivo Top of the Pops, se precisaba suplir a la banda "en vivo", por lo que se realizó el clip. Dirigido por Bruce Gowers (estrecho colaborador de Queen) utilizando sugerencias del cuarteto, en él se puden ver las caras de Freddie Mercury, John Deacon, Brian May y Roger Taylor, en un efecto de zoom realizado al poner la cámara como "monitor", dando un feedback visual análogo al musical. El costo total del clip fue de 4.500 libras esterlinas, un costo enorme para la época.
Revive el clip de "Bohemian Rhapsody", incluido en la versión 30 Aniversario de A Night at the Opera , y opina al respecto:
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